Este es mi top 10 recomendaciones de películas de cine mudo que deberías ver alguna vez.
Todo amante del cine debería de vez en cuando hacer un recorrido por la historia del cine para ver cómo la evolución del séptimo arte nos va dejando década a década maravillas cinematográficas.
Soy consciente que cuando escribo algún artículo sobre películas clásicas o como el que vas a poder leer a continuación sobre cine mudo, no todos los amantes del cine están dispuestos a emplear su precioso tiempo en ver películas de más de 80 años, pero si de verdad eres un apasionado del cine, te las recomiendo.
1. Tiempos modernos. (Charles Chaplin).
Charles Chaplin es uno de los directores de cine más admirados y respetados de todos los tiempos. A riendas de su icónico personaje de Charlot nos dejó títulos como este, aunque podríamos a ver dicho otros de tal calibre como El Chico o El Gran Dictador.
Tiempos modernos es una joya del cine mudo. La película de 1936 se estrenó en plena ebullición de la revolución industrial, muchos hablan de esta película como un relato satírico y crítico al modelo de producción de Ford. Sin ánimos de polemizar, esta película, aún hoy, te dejará con la boca abierta.
2. La pasión de Juana de Arco. (C.Theodor Dreyer)
Película de cine mudo que marcó la carrera de Dreyer
Se necesita una estrella para llevar un primer plano, dicen en el negocio del cine, y por esa característica, se necesita una superestrella para llevar un primer plano extremo. Pero lo que hizo Maria Falconetti en la película de Carl Theodor Dreyer de 1928 La Pasión de Juana de Arco fue otra cosa.
Como Joan, su hermoso rostro llena la pantalla, transfigurado por la agonía, la duda, la angustia y la euforia y, sin embargo, es sobrenaturalmente calmado e inmóvil; sale de la pantalla como un sol. Sus ojos, bordeados con esas pestañas albinas, se vuelven hacia arriba como representaciones del Cristo crucificado, y algunas veces rumiativamente hacia abajo, como la Virgen María.
A veces parece literalmente haber quedado ciega en una especie de éxtasis, y las preguntas de los interrogadores pueden parecerle muy lejanas. O tal vez es más bien que la vemos en la misteriosa cúspide de una evolución espiritual: en su hora de prueba, ella está a punto de convertirse en otra cosa: un orden superior de ser. Apenas hay una toma de ella que no sea un primer plano.
Cuando la vemos en planos medio o largo, es sorprendente reconocer a esa figura vulnerable desde lejos, ya que es llevada al juicio encadenada o fuera de su celda en preparación para la ejecución. Dreyer invierte el impacto habitual de la proximidad de la cámara.
Su película imagina las catastróficas secuelas del heroísmo de Juana de Arco en el campo de batalla en la Guerra de los Cien Años; afirmó la guía divina, y de hecho mostró genio militar sin formación milagrosa – en cierto modo, esta es una película para establecer junto con Napoleón de Abel Gance (1927) -, pero después de la derrota 1430 en Compiègne, ha sido vendido a las fuerzas pro-ingleses y ahora llevados a juicio bajo una acusación de herejía por razones que son, al menos en parte, cínicas: neutralizar a Joan como un testaferro revolucionario y volver al pueblo pío contra ella.
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3. Luces de la ciudad (Charles Chaplin)
Luces en la ciudad fue sin duda el mayor riesgo de la carrera de Charlie Chaplin: The Jazz Singer, lanzado a fines de 1927, había visto el sonido tomar el cine por sorpresa, pero Chaplin resistió el cambio, prefiriendo continuar en la tradición silenciosa.
En retrospectiva, esto no es tanto el comportamiento precioso de un purista sino la reacción inteligente de un comediante experimentado. Las películas de Chaplin raramente usaban intertítulos de todos modos, y aunque técnicamente es «silenciosa», Luces en la ciudad es muy consciente de su propia puntuación compuesta y de los efectos de sonido agudamente juzgados.
En su corazón, la película de Chaplin es una historia de amor despareja en la línea de Broken Blossoms de DW Griffiths, hecha unos 10 años antes, pero Chaplin la moderniza conscientemente, trasladando la ubicación de los míseros muelles de Limehouse al bullicio del centro de la ciudad, donde el vagabundo de Chaplin se enamora de una vendedora de flores ciega.
De hecho, toda la película depende de alguna manera del Little Tramp fuera del tiempo: Chaplin deliberadamente lo interpreta como una reliquia, una figura de diversión para los periodistas de la esquina, pero al mismo tiempo consciente de sí mismo. (El crítico Andrew Sarris describió al personaje como un modelo de autocontención sofisticada: «su propio Don Quijote y su propio Sancho Panza»).
Aunque hay gags de la vista en la búsqueda del pequeño vagabundo para encontrar el dinero para restaurar la vista de la niña, Luces en la ciudad es más una película sobre las relaciones personales: una figura clave en la película es un hombre de negocios rico que solo reconoce a su nuevo amigo cuando está borracho.
Nada, sin embargo, es más importante que la escena final, aún poderoso en su ambivalencia. Ya no estando ciega, la niña se da cuenta lentamente de que el vagabundo frente a ella es su benefactor secreto, y el destello de sentimientos contradictorios en la cara de Chaplin – humildad y alegría – reivindica su decisión de permanecer en silencio.
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4. Cine mudo futurista con Metrópolis ( Fritz Lang)
Nos gusta imaginar que vivimos en la era de las grandes y ambiciosas películas de efectos especiales, pero la colosal ambición de 1927 de Fritz Lang hace que James Cameron parezca tímido. Era la película más cara jamás hecha en ese momento: una apuesta masiva cuyo fracaso prácticamente llevó a la bancarrota al cine alemán. Pero prácticamente todas las películas futuristas / distópicas hechas desde entonces están en deuda con ellas. Puedes detectar su ADN en todo, desde Blade Runner hasta Star Wars (C3PO podría ser el esposo robot de María).
Es cierto que es una historia defectuosa. La actuación es teatral, los personajes extrañamente ingenuos y neuróticos, y la trama notoriamente confusa. Incluso el reciente lanzamiento de una versión casi completa no pudo explicar todo.
Pero en sus trazos más amplios, Metropolis recurre a raíces profundas (bíblica, jungiana, wagneriana, de cuento de hadas) para explorar temas que continúan interesándonos: los efectos deshumanizantes de la industrialización; la fetichización de la tecnología; la división entre ricos y pobres, los gobernantes y los trabajadores, la «cabeza» y las «manos».
Políticamente, la película ha sido leída en todo el espectro, desde la socialdemocracia hasta la fascista. (La esposa y coguionista de Lang, Thea von Harbou, sí se unió más tarde al partido nazi).
Sean cuales sean sus significados, Metropolis es sobre todo una experiencia visual abrumadora. El alcance de la película es asombroso: desde la ciudad rascacielos tipo Babel hasta sus ghettos subterráneos, a través de laboratorios, catedrales, fábricas, jardines de recreo.
Lang ya era el cineasta más moderno de la época; por su habilidad para las imágenes y la edición, agregó efectos especiales de última generación, que aún se mantienen bastante bien (todo se hace con espejos). También tuvo acceso a un efecto especial más antiguo: el personal. Ambos ejércitos de constructores de escenarios y vastas multitudes de extras (en su mayoría berlineses pobres), este último de los cuales conduce en grandes franjas a través de la pantalla mientras orquesta el levantamiento masivo de la historia.
Bajo su mandato dictatorial, nadie lo tuvo fácil. La sesión duró casi un año y su actriz principal, Brigitte Helm, casi fue destruida por el perfeccionismo de Lang. Pero el resultado fue un cambio de paradigma en las capacidades del cine, un espectáculo monumental que rara vez se ha superado.
5. El Acorazado Potemkin (Sergei Eisenstein)
En común con el comienzo de Sed de Mal, el final de Con Faldas y a lo loco y el medio de Psicosis, hay una secuencia de algún modo en el Acorazado Potemkin de Sergei Eisenstein de 1925 que ha eclipsado el trabajo como un todo e infiltrado la conciencia incluso de aquellos que no han visto toda la película Eisenstein se dispuso a contar la historia de un motín naval de 1905, un momento clave en la revolución rusa, que se desencadenó al servir carne podrida a la tripulación del Potemkin.
Pero fue el episodio posterior a la llegada de la tripulación a Odessa, y la solidaridad que les mostraron los civiles oprimidos, lo que le ha valido a la imagen su legendaria reputación.
Antes de que se le rindiera homenaje en Los intocables y se parodiaba en Agárralo como puedas 33 1/3: el insulto final, la secuencia de «Escalera de Odessa» había servido durante muchas décadas como la clase magistral definitiva en la edición de películas, admirada por directores como John Grierson y Alfred Hitchcock. Todavía merece ese estado, abarrotado como está de lecciones fundamentales en la manipulación del ritmo y el suspenso a través del corte, los cambios en la duración y posición de los disparos, el movimiento de la cámara y el primer plano.
6. El Maquinista de la General (Buster Keaton).
Orson Welles, que sabía una o dos cosas sobre el cine mudo, celebró el gran logro de Buster Keaton como «la comedia más grandiosa jamás realizada, la mejor película de guerra civil jamás realizada y tal vez la mejor película jamás realizada».
Esta película muy cerca te enviará al frenesí. Es hilarante, conmovedor, ¿cómo-lo-que-hizo-tan inteligente y tan rápido que nunca hay suficientes visiones repetidas para saborear cada mordaza, cada truco elaborado. Y todo el tiempo que el caos se está desatando, Keaton, como era de esperar, es el estoicismo en sí mismo.
Él interpreta a un héroe de Keaton por excelencia: un hombre lo suficientemente valiente como para ir a la batalla, pero posiblemente lo suficientemente débil como para ser rechazado por los reclutadores. Un genio que puede manipular la maquinaria pesada de una locomotora de vapor para cumplir sus órdenes, pero que no puede explicarse a su novia.
El Maquinista de la General es muy inusual entre las películas de comedia, simplemente por estar basado en una historia real. Keaton se aprovechó de la historia de un secuestro de un tren de guerra civil y lo embelleció con humor, espectáculo (incluyendo un tren-naufragio notoriamente caro) y una historia de amor ligeramente amarga. Durante muchos años, estuvo solo al ver el lado divertido.
En su lanzamiento, El Maquinista de la General bombardeó, y Keaton entró en su edad oscura, metió el calzador en un contrato en MGM y puso en marcha serras. Su subsiguiente reclamo por parte de la crítica y la audiencia es un tributo a todo su cuerpo de trabajo. Pero si tuviera que convertir un obstinado refusenik a la grandeza de Keaton, a la magia del cine mudo en sí, el Maquinista de la General le lanzará ese hechizo cada vez.
7. El Gabinete del Doctor Galigari (Robert Wiene)
El Gabinete del Dr. Caligari es una película de cine mudo inusual realizada por, hasta la fecha, el relativamente desconocido Robert Wiene. Y sin embargo, esta película de 1920 es quizás la primera película de arte, ya que es imposible hablar de ella sin mencionar su extraordinario escenografía, que complementa perfectamente su historia de asesinato y locura, así como las abstracciones deliberadas de la narración. Nada en este mundo es «real», y la extraña geometría de sus ángulos, más las interpretaciones deliberadamente estilizadas, casi como kabuki, le dan a este el ambiente de una verdadera pesadilla.
Basado en el mito del siglo XI de un «monje mountebank» que ejerció una extraña influencia sobre un hombre en su poder, conocido aquí como el Sonámbulo, también conocido como Cesare (Conrad Veidt), la película de Wiene encuentra a dos hombres encontrándose con Caligari (Werner Krauss) en un parque de atracciones. Cuando uno de los hombres es asesinado, el otro comienza a investigar, al darse cuenta de que Caligari está utilizando al aparentemente en coma de Cesare para cometer una serie de asesinatos.
Sin embargo, en la primera de una serie de giros, se revela que Caligari es el director de un asilo local, un consejo que no se trata de una historia sino de una mente.
Curiosamente, a Caligari a menudo se le acredita como una película de terror, y es significativo que haya sido pionera en muchos tropos del género que se mantendrían en la era del sonido. Pero son los escenarios de Hermann Warm los que han perdurado, creando ligeras trampas de sombra que no solo allanaron el camino para el oscuro apogeo de la posguerra del cine negro, sino que también plantaron semillas de surrealismo macabro que continúan hoy, notablemente en las obras de claroscuros de David Lynch. sigue siendo el amo no propuesto de lo inquietante y lo extraño.
8. Amanecer (F.W Murnau)
«Amanecer» parece tener lugar en nuestros sueños. Es una historia macabra de amor y asesinato que tiene lugar en un paisaje casi real, en algún lugar entre la realidad y nuestra imaginación colectiva. Todavía no hay nada como eso.
Los personajes son arquetipos sin nombre, y giran en torno a una oposición arquetípica: el país frente a la ciudad. El anterior inocente, estable y virtuoso; este último emocionante, seductor y peligroso. Previsiblemente para la época, están personificadas por dos mujeres opuestas: la sana y angelical Janet Gaynor (La Esposa) y la vampira Margaret Livingston (La mujer de la ciudad), pelirroja y fumadora de cigarrillos.
«The Man», por supuesto, está irremediablemente a la deriva, y no sabe cuál elegir. Es seducido por las caderas giratorias de Livingston y las fantasías urbanas. ¿Pero qué hay de la esposa? «¿No podría ella ahogarse?» La mujer fatal de Livingston sugiere.
9. El enemigo de las rubias (Alfred Hitchcock)
La película muda más exitosa de Hitchcock, como él mismo reconoció a Francois Truffaut, fue la primera que podría llamarse Hitchcockian. Esta variación en la búsqueda de Jack el Destripador presenta temas y motivos que se repetirán a lo largo de la carrera de Hitchcock: el presunto asesino que puede ser inocente (ver Sospecha y El hombre equivocado, solo para empezar).
La heroína que lo ama pero que aún puede convertirse en su próxima víctima; el fantasmagórico Londres nocturno que reaparecerá en sabotaje y frenesí; la bravura de las secuencias del set-piece y la sed de innovación técnica (aquí hay un techo de cristal a través del cual vemos desde abajo al inquilino neurótico que pasea incesantemente por su habitación); la primera aparición de camafeo de Hitchcock (dos, de hecho), y la bruma familiar de la obsesión sexual que sobresaldría su carrera como otro tipo de niebla.
10. El Viento (Victor Sjöström)
El Viento es una de las cuatro o cinco películas de cine mudo que mejor demuestran la riqueza, la variedad, la pureza y claridad de expresión que el cine mudo había logrado para cuando fue abandonado para siempre, como una Atlántida perdida, bajo un diluvio de sonido y música.
The Crowd de King Vidor, Sunrise de Murnau, Lonesome de Paul Fejos y Metropolis de Fritz Lang llegaron, como El Viento, justo a tiempo para ver el cine mudo como obsoleto en cuestión de meses en 1927-28.
